Wir leben in einer Gesellschaft, in der sich die Kontrollmechanismen ständig verändern – und das unsichtbar.

Lev Manovich, Medientheoretiker und Autor des medienwissenschaftlichen Standartwerkes: „The Language of New Meda“ über den Rhythmus des Films, Datenvisualisierungen und Herausforderungen der Software-Gesellschaft im Interview mit der ORF-Futurezone.

[via]

Yann Gross

SB: Was trieb dich nach Uganda? Kanntest du den Skatepark schon, oder bist du vor Ort drüber gestolpert?

Yann Gross: Meine Freundin ging für ein Jahr nach R.D.C. (Demokratische Republik Kongo) und Uganda, um dort zu arbeiten. Bevor sie fuhr brachte ich ihr Skaten bei, was ihr großen Spaß machte. Sie wollte während ihres Aufenthalts in Afrika weiter üben, also suchten wir nach Plätzen dort. Wir fanden einige Bilder im Netz und forschten nach. Sie entdeckte den Platz in Kitintale und fuhr einige Male dorthin.
Ich besuchte sie für zwei Wochen in Uganda, dann musste sie zurück in die R.D.C., ich entschied mich, zu bleiben. Zwei Monate verbrachte ich 2008 in Kitintale und kehrte im letzten Sommer nochmals dorthin zurück.

SB: Wie entstand der Park?

Yann Gross: Das ist eine lange Geschichte.
Jackson Mubiru, ein junger Mann aus Kitintale traf zufällig Shael Swart, einen südafrikanischen Skateboarder, auf dem Parkplatz des National Stadiums. Shael brachte ihm das Skaten bei und sie wurden Freunde.
Shael schlug vor eine Halfpipe zu bauen und weil Jackson keinen Schimmer hatte, wovon er sprach, schnitt er eine Dose in der Mitte durch und sagte: „Das ist eine Halfpipe!“
Es brauchte einige Monate, um sie tatsächlich zu bauen. Jacksons Mutter stellte ihnen für das Projekt ein Stück Land zur Verfügung und sie fanden Wege, Geld für den Bau zu sammeln.
Zu dem Zeitpunkt skateten grade mal fünf Kids mit Jackson. Shael verliess Uganda einige Wochen nach dem Bau der Halfpipe.
Ein Jahr später traf Jackson Brian Lyle, einen kanadischen Praktikanten, der auf dem Parkplatz skatete. Weil es sonst keine Skater in Uganda gab, stellte er sich vor und erzählte von der Halfpipe.
Brian konnte es nicht glauben und begleitete Jack sofort zum Platz, wo er einen Haufen barfüssiger Kids fand, die auf einem Brett die Rampe rauf und runter rollten. Er war so beeindruckt, dass er die bis in die Nacht mit ihnen skatete und blieb.
Jackson und die Kids waren neugierig zu hören, was Brian über Skateboarding wusste. Er brachte ihnen einige Magazine und Filme übers Skaten mit. Die Kids erkannten, worum es bei diesem Sport ging und planten zusammen mit Brian den Ausbau des Parks.

SB: Findet die Eigeninitiative Unterstützung seitens der Regierung oder anderer offizieller Einrichtungen?

Yann Gross: Es gab weder von der Regierung noch von NGOs Unterstützung. Es ist ein Graswurzelprojekt, realisiert durch den Willen von Jugendlichen. Das Gelände gehörte Jacks Mutter und die Kids bauten den Park allein. Sie haben ihn entrümpelt, gemauert, betoniert usw. Mit Brians Hilfe bekamen sie genug Geld für das Material zusammen und Jacks Bruder arbeitete bei einem Bauunternehmen, was enorm half.

Yann Gross

SB: Gab und gibt es internationale Hilfe?

Yann Gross: Nicht viel. Zu Beginn gab es überhaupt keine Unterstützung, inzwischen schicken verschiedene Skateboardfirmen Boards, Schuhe und andere Sachen.
Was finanzielle Hilfe angeht, gibt es eine Handvoll Skater, die Geld für die Reparatur der Rampen spendeten. Aber es ist wichtig, dass das Projekt unabhängig bleibt; die Strukturen sind auch viel zu klein, um schnell zu wachsen. Von einer großen NGO gefördert zu werden, wäre das Schlimmste, was passieren könnte. Langsam aber sicher lernen die Ugander so, mit den Medien und Sponsoren umzugehen. Wir sind drei „nicht-ugandische“ Mitglieder in der Uganda Skateboard Union und auch wenn wir uns natürlich ebenfalls nach Spendern umschauen, liegt unser eigentlicher Job in der Beratung. Der Ansatz ist ein völlig anderer, als bei Skateistan, obwohl das auch ein großartiges Projekt ist.

SB: Du schreibst, durch das Projekt hätten die Kids ein Bewusstsein für Zusammengehörigkeit entwickelt. Wie sieht das Leben in Uganda üblicherweise aus, was hat sich durch’s Skaten verändert?

Yann Gross: Kitintale ist ein Vorort von Kampala, in dem nur Arbeiter leben. Einige der Kinder besuchen keine Schule, weil ihre Eltern sich das Schulgeld nicht leisten können. Es gibt kaum Freizeitangebote, besonders wenn du kein Geld hast. In den Straßen ist die Langeweile also allgegenwärtig.
Durch das Skateboarden haben sie etwas, das sie zusammen bringt. Das hätte auch Fußball oder Cricket sein können, aber ihre Story ist eine andere, sie sind Pioniere: sie sind die ersten Skateboarder in Uganda! Das macht sie zu etwas Besonderem und sie sind sehr stolz darauf. Sie wollen den Sport im eigenen Land und in Ostafrika bekannt und populär machen. Es ist ein gemeinsames Ziel, das sie sich gesetzt haben und das zeigt, wie viel stärker sie sind, wenn sie zusammen daran arbeiten. Sie entwickelten Regeln, an die sich alle hatten müssen. Jack spielt hierbei eine zentrale Rolle. Wenn sich ein Kind daneben benimmt (sich prügelt, ein Skateboard nicht teilen will, Jüngere verarscht etc.), wird es bestraft. Die Skater treffen sich, diskutieren das Problem und entscheiden über den Fall.
Ein Störenfried kann mehrere Monate Platzverbot bekommen.
Jack sorgt sich sehr um die Jugend seiner Community und nutzt das Skaten, um sie zu beschäftigen und schlechtes Verhalten zu ändern. Er besucht oft die Eltern der Jüngeren, um sich nach ihrem Verhalten zuhause zu erkundigen.

Yann Gross

SB: Auf dem Blog der Skateboard Union las ich, die Skater hätten in einem Musikvideo mit gemacht?

Yann Gross: Ja, die Geschichte mit Navio ist lustig! Er ist ein echter Superstar in Uganda. Ein paar der Kids skateten auf der Suche nach neuen Plätzen grade durch die Stadt, als Navio vorbei fuhr. Er war beeindruckt von ihren Fähigkeiten und überrascht, diesem Sport in Uganda zu begegnen, also sprang er aus dem Wagen und fragte sie, ob sie in einem seiner Videos mitmachen würden.

SB: Nimmt die Öffentlichkeit in Uganda den Sport inzwischen wahr?

Yann Gross: Letztes Jahr haben wir einen Wettbewerb organisiert. Ich hatte jede Menge Skateboard-Zubehör von Schweizer Sponsoren gesammelt, wollte es aber nicht einfach verschenken wie der gute Prinz. Die Idee eines Wettbewerbs war spannend, denn wenn die Kids etwas gewinnen wollten, mussten sie etwas dafür tun, es sich verdienen. Wir wollten damit ausserdem die Community anspornen, ihre Eltern und Verwandte zum Wettkampf einzuladen. Die Kids waren stolz, ihnen das Ergebnis ihres harten Trainings zeigen zu können.
Wir präsentierten die Contest-Idee verschiedenen Unternehmen in Uganda, die ihn sponsoren sollten, erklärten Zeitungen und Fernsehanstalten des Landes worum es ging, luden Leute aus dem nationalen Sportrat und Mitglieder des Ministeriums zum Event ein.
Der Wettkampf wurde ein Riesenerfolg und die Medienberichterstattung war enorm. Seither interessieren sich die Menschen für den Sport und einige Unternehmen fragen nach Werbekooperationen mit den Skatern.
Früher kannte niemand die Skater, aber wenn sie jetzt Sonntags durch die leeren Straßen der Stadt fahren, hört man schon mal: „He, das sind doch die Skateboarder aus dem Fernsehen!“

SB: Die Kids eifern den großen Namen in der westlichen Skater-Szene nach (du selbst hast ihnen ein paar Tricks beigebracht). Die westliche Welt hat aber immer auch von den kulturellen Einflüssen Afrikas profitiert.  Glaubst du, wir werden uns in Zukunft durch die Kitintale-Skills inspirieren lassen können?

Yann Gross: Ich hoffe es! Die Kids sind sehr kreativ, aber interessanter finde ich, wie sie ihr Spiel entwickeln. Sie verstehen Skateboarding nicht als eine Untergrund-Bewegung von der Straße, für sie ist es ein ernstzunehmender Wettkampf-Sport. Bei uns ist Skaten ein Individualsport, jeder sucht sich seine eigenen Sponsoren und trainiert für sich. Das Ziel der Union ist es, Skateboarding zu einem Nationalsport zu machen. Das ist ein ganz anderes Konzept, das Teamgeist braucht.
In Zukunft wollen sie Schul-Wettkämpfe organisieren, bei denen verschiedene Schulteams gegeneinander antreten. Die Besten kämen ins Nationalteam, das andere Länder herausfordert, eine Art afrikanischer Skateboard Cup, der von einer Nation statt von einem Einzelnen gewonnen wird.
Momentan bekommt man kaum Skateboard-Equipment in Uganda, es gibt keinen Markt dafür. Wenn du also in Uganda skaten willst und nicht grade ein reiches Söhnchen bist, kommst du an der Uganda Skateboard Union nicht vorbei, weil sie die einzigen sind, die Skate-Ausrüstungen als Spenden bekommen. Du kannst also nicht skaten, ohne die Regeln der Union zu respektieren.

SB: Deine Arbeiten dokumentieren den Zauber des Gegensätzlichen. Sie zeigen Menschen, die nicht homogener Teil ihres Lebensraums sind, sondern teils sehr ungewöhnliche Arrangements für sich finden, ihrer  Umwelt zu trotzen.
Bezeugen deine Bilder die Suche nach Glück?

Yann Gross: Ja, genau. Die meisten meiner Arbeiten drehen sich genau darum. Jeder sucht irgendwie nach Glück und manchmal entstehen daraus außergewöhnliche Situationen. Ein Gefühl für Gemeinschaft ist dabei wichtig, du kannst deine Träume, Projekte und Ideen teilen.

SB: Du reist viel um die Welt. Wo warst du dem Glück am nächsten?

Yann Gross: Es kommt weniger auf den Ort an, als auf die Menschen, mit denen du zusammen bist. Glück ist etwas, das man teilen muss. Ich verbringe meine Zeit z.B. gern in den schweizer Bergen, weil meine Freunde dort sind. Ich habe Brasilien geliebt, weil sich dort enge Beziehungen entwickelt haben.
Genau wie in Uganda: der Skatepark ist eine kleine Insel des Glücks!

Kitintale from Yann Gross on Vimeo.

Die erste Halfpipe wurde beim letzten Regen zerstört, die Uganda Skateboard Union freut sich deshalb über jede Form der Unterstützung. Wem der Weg nach Kitintale zu weit ist, kann per Spende dazu beitragen, dass das Projekt weiter besteht oder gar wächst. Alle Spenden gehen direkt an die Uganda Skateboard Union.
Per Paypal an: skateboarduganda@yahoo.com

Links:
Yann Gross
Uganda Skateboard Union

Es fühlt sich etwas merkwürdig an, seinen eigenen Namen in den Titel eines Posts zu schreiben, aber „Interview mit mir“ klingt ja auch komisch. Nun denn: Für die Serie Unerhört hat die taz mich vor die Kamera gesetzt, nach dem Klick gibt es das Ergebnis zu sehen.

Mehr Interviews der Serie gibt es auch im taz-Kanal bei YouTube.

Derek Purdy

Während die letzten Vorbereitungen zur großen „Freiheit statt Angst“-Demo am Samstag in Berlin laufen (Spreeblick ruft sich und alle, die hier lesen, herzlichst auf, teilzunehmen!), haben Fred und ich Juli Zeh und Ilija Trojanow, den Autoren des Buchs „Angriff auf die Freiheit – Sicherheitswahn, Überwachungsstaat und der Abbau bürgerlicher Rechte“, einige Fragen zu ebendiesen Themen gestellt.

Spreeblick:
Rasterfahndung und Volkszählung gibt es schon lange und zumindest ausländische Geheimdienste hören auch schon lange massenhaft unsere Telefongespräche ab. Und der Krieg gegen den Terror ist acht Jahre im Gange. Warum gerade jetzt ein Buch wie „Angriff auf die Freiheit“?

Ilija Trojanow:
Weil die staatliche Überwachung kontinuierlich zunimmt (man schaue sich nur die lange Liste von neuen Gesetzen aus den letzten Jahren an), weil die technischen Möglichkeiten rasant wachsen, weil der Krieg gegen den Terror im achten Jahr genauso unsinnig ist wie im ersten.

Juli Zeh:
Seit dem elften September 2001 erleben wir einen Umbau unseres Rechtsstaates in Richtung eines Überwachungs- und Präventionssystems. Es geht nicht mehr nur um einzelne diskussionswürdige Maßnahmen wie die Rasterfahndung, sondern um die grundsätzliche Frage, wie der Staat, in dem wir zusammenleben, gestaltet sein soll. Deshalb ist es höchste Zeit, einen Diskurs über diese Frage zu eröffnen. Dazu soll unser Buch beitragen.

„Freiheit statt Angst“ ist der Titel der Demonstration gegen Überwachung, Vorratsdatenspeicherung und Netzsperren am 12. September in Berlin. Auch Sie schreiben in Ihrem Buch „Angriff auf die Freiheit“ davon, dass ein Abbau der Bürgerrechte, weitgehende Überwachungsmaßnahmen und die sogenannten Antiterrorgesetze mit einer auf Angst aufbauenden Argumentationslogik durchgesetzt werden. Glauben Sie, die Mehrheit der Menschen empfindet diese Angst?

IT:
Wer weiß schon, was die Mehrheit empfindet. Gewiss ist, dass nicht genügend Menschen sich gegen den schleichenden Freiheitsabbbau wehren.

JZ:
Umfragen belegen jedenfalls, dass die Menschen sich verunsichert fühlen. Sie glauben zum Beispiel, dass unsere Gesellschaft immer krimineller und gefährlicher wird – dabei belegen alle Statistiken das Gegenteil. Diese Gefühle sind Effekte einer massenmedialen Dauerberieselung mit Katastrophenszenarien.

Bisher werden all diese Gesetze kaum fruchtbar gemacht. Es gibt nur ganz seltene Fälle, in denen die neuen Kompetenzen der Polizei und des Verfassungsschutzes zu wirklichen Verfahren geführt haben, mit der Sauerland-Gruppe wurde seit dem 11. September 2001 genau eine als terroristisch eingestufte Gruppierung gefasst. Angstrethorik und Überwachungskompetenzen mögen entsprechend unverhältnismäßig sein, aber sind sie gefährlich?

JZ:
Sie sind deshalb gefährlich, weil sie dazu benutzt werden, den demokratischen, also freien und mündigen Bürger in einen Untertan zu verwandeln.

IT:
Die Tatsache, dass die neuen Befugnisse der Behörden nicht zu Erfolgen führen, macht doch die dahinter liegenden Gesetze nicht weniger gefährlich, sondern höchstens weniger sinnvoll. Das Unverhältnismäßige an sich ist eine Gefahr für die Bürgerrechte, denn jeder eingriff in die individuelle Freiheit sollte unbedingt verhältnismäßig und notwendig sein.

Wir sind in der Praxis trotz allem noch sehr weit entfernt von einem flächendeckend um sich greifenden Überwachungsstaat. Sie können also nur vor den Gefahren eines möglichen Missbrauchs der überwachten Daten warnen. Oder?

IT:
In Großbritannien werden schon alle Kommunikationsdaten (alle Emails, Faxe, SMS etc.) durch Black Boxes gespeichert. So weit weg sind wir nicht von einem Überwachungsstaat und es dürfte wenig helfen, dann davor zu warnen.

JZ:
Es ist ein Missverständnis zu glauben, dass staatliche Kontrolle erst dann negativ für die Bürger und ihre Rechte wirkt, wenn sie „missbraucht“ wird. Das Datensammeln an sich ist schon ein Eingriff, und dieser Eingriff findet auch in Deutschland bereits flächendeckend statt – die Vorratsdatenspeicherung ist hierfür ein anschauliches Beispiel.

Ist die Warnung vor einem Umkippen der Demokratie in einen autoritären Staat nicht selbst auch Angstmacherei?

IT:
Natürlich – wenn Sie auch den Zebrastreifen als Angstmacherei betrachten.

JZ:
Ich finde nicht, dass es Angstmacherei ist. Wir warnen nicht vor etwas Katastrophalem, Dunklem, Apokalyptischem. Wir weisen auf Entwicklungen hin, die wir alle letztlich selbst in der Hand haben – wir können entscheiden, in was für einem Land wir leben wollen. Es geht dabei weniger um eine Warnung, als darum, zum Umdenken aufzufordern.

In „Angriff auf die Freiheit“ zählen Sie erschreckende Beispiele auf, wie in Großbritannien oder den USA Einschränkungen des Datenschutzes und der Bürgerechte im Rahmen des ominösen Kriegs gegen den Terror mittlerweile dazu genutzt werden gegen friedliche Öko-Aktivisten und sogar lärmend spielende Kinder vorzugehen. Sind das besonders bizarre Einzelbeispiele oder ist so etwas mittlerweile üblich?

IT:
Allein in England mehr als 800 Fälle in einem Jahr und mehr als 1 (eine!) Million Namen auf der „no fly list“ der USA, das sind wohl kaum nur einige bizarre Ausnahmen.

JZ:
Auch bei uns hat Frau Merkel bereits darauf hingewiesen, dass sie Alltagssünden wie das Parken in zweiter Reihe für eine Frage der „inneren Sicherheit“ hält. Beunruhigend ist hier der Mentalitätswechsel, der solche Politikeraussagen möglich macht, ohne dass es einen Aufschrei gibt. Es steht zu befürchten, dass wir bald in die Fußstapfen der Amerikaner und Briten treten.

Halten Sie dies also auch in Deutschland für möglich oder haben wir nicht ein grundsätzlich anderes Rechtssystem als die beiden genannten Länder, sodass wir im Rahmen unserer Rechtsprechung vor derlei Auswüchsen gut geschützt sind?

JZ:
Kein Rechtssystem ist in Stein gemeißelt. Die Entwicklungen, die wir beklagen, sind ja größtenteils gerade durch neue Gesetze oder Gesetzesänderungen erfolgt – also durch eine Änderung unseres Rechtssystems. Auch unser Grundgesetz kann man ändern – von den Innenministern wird das ständig gefordert. Wenn das geschieht, kann auch das Bundesverfassungsgericht in Karlsruhe nicht mehr „helfen“.

Die taz berichtet, dass Bundesinnenminister Wolfgang Schäuble eine zentrale Telekommunikationsüberwachungsbehörde geschaffen hat, die als technischer Dienstleister das Equipment für Abhöraktionen der Länderpolizeien und künftig auch des Verfassungsschutzes zentral anbieten soll. Da die Abhöraktionen weiterhin den einzelnen Behörden genehmigt werden müssen und die einzelnen Behörden nur die Daten ihrer jeweiligen Aktion bekommen sollen, sehen weder Schäubles Ministerium noch das Justizministerium in dieser Behörde eine unerlaubte Zentralisierung von Überwachung oder eine Verquickung von Polizei- und Verfassungsschutzaufgaben. Gegen effiziente Ermittlungsarbeit ist doch nichts zu sagen, oder?

JZ:
Dazu gibt es zweierlei zu sagen: Zum einen ist die „Effizienz“ der neuen Sicherheitsmaßnahmen in vielen Fällen äußerst zweifelhaft. Sie wird von Politikern behauptet, aber nicht bewiesen. Oft stellt sich im Nachhinein heraus, dass die Maßnahmen völlig wirkungslos sind und effektive Polizei-Arbeit nach wie vor mit klassischen Ermittlungsmethoden erreicht wird.
Zum anderen gilt: Staatliche Eingriffe müssen immer verhältnismäßig sein. „Effizienz“ ist nicht das einzige Kriterium. Man könnte sonst auch sagen: Um Verkehrsunfälle zu verhindern, muss ab jetzt in jedem Privatauto ein Polizist mitfahren. Das wäre effizient, aber dennoch unverhältnismäßig und deshalb ein Verstoß gegen das Grundgesetz.

Juli Zeh, in „Corpus Delicti“, Ihrem aktuellen Roman, der die Dystopie einer totalitären Gesellschaft thematisiert, wird die Protagonistin mehr oder minder versehentlich von ihren Nachbarinnen denunziert. Im letzten Polizeiruf der ARD war ein ganzes Dorf froh, dass einer der Einwohner Überwachungskameras installierte. Zwei Beispiele fiktionaler Übertreibung oder ist Überwachung etwas zutiefst menschliches, das besser behördlich sanktioniert ist, als das jeder willkürlich dem Andern hinterherspioniert?

JZ:
Neugier und Voyeurismus sind menschlich, ebenso der Wunsch nach Macht, die durch Kontrolle zu erlangen ist. Vor allem aber ist Überwachung eine Mode-Erscheinung. Seit wir die technischen Möglichkeiten dazu haben, würden Eltern am liebsten in jeder Sekunde des Tages wissen, wo ihre Kinder sind und was sie machen.
Auf einmal bilden Menschen sich ein, sie könnten Frieden und Sicherheit durch Kontrolle erreichen. Das Gegenteil ist der Fall. Ein friedliches und damit sicheres Zusammenleben lässt sich nur auf Vertrauen stützen. Der Satz „Vertrauen ist gut, Kontrolle ist besser“ ist nicht nur nur falsch, sondern auch gefährlich – sowohl in Familien, als auch in Nachbarschaften oder ganzen Gesellschaften.

Ist es nicht vorrangig, dass wir als Nutzer unsere selbst Daten schützen, anstatt dem Staat vorzuwerfen, dass er im Rahmen der Polizeiarbeit Möglichkeiten sucht, im gegebenen Fall an Informationen zu kommen?

IT:
Beides ist wichtig und wir sprechen beides in unserem Buch an.

JZ:
Gegenüber dem Staat darf ein Bürger sich nicht schützen müssen. Es muss gesetzlich klar definiert sein, welche Informationen der Staat verwerten und auf welche Weise er sie erheben darf. Wir müssen verhindern, dass dem Staat dort immer weitergehende Kompetenzen eingeräumt werden.
Zusätzlich braucht es ein Datenschutzrecht, das den Umgang von Wirtschaftskonzernen mit Überwachung und Datenerhebung regelt. In den letzten Monaten haben verschiedene Skandale gezeigt, wie menschenverachtend manche Firmen mit ihren Angestellten umgehen.

Beispiel Google. Dort gibt es neben der Suchmaschine und dem Maildienst jede Menge andere praktische Dienstleistungen. Schränken Sie Ihre Internetrecherche ein und meiden webbasierte Services, um Ihre Privatsphäre zu schützen?

JZ:
Die Angebote von Google nutze ich zum Beispiel überhaupt nicht. Auch verbiete ich Software-Produkten, die ich benutze, permanent mit ihrem Konzern zu „funken“. Und ich überlege mir in der Tat sehr genau, auf welcher Webseite ich welche Daten hinterlasse. Oft verzichte ich auf einen Internetdienst, wenn er mir nicht vetrauenswürdig erscheint.

Verschlüsseln Sie Ihre Mails? Anonymisieren Sie beim Surfen Ihre Verbindungsdaten beispielsweise über das TOR-Netzwerk? Das ist doch alles furchtbar umständlich und verleidet einem die Lust an der Kommunikation!

IT:
Es ist nicht so SO umständlich und manch ein Umstand nimmt man gerne in kauf, wenn er einen schützt.

JZ:
Ich benutze TOR, wenn ich eine Recherche durchführen muss, von der ich weiß, dass sie die Aufmerksamkeit der Behörden erregen könnte, weil bestimmte Schlüsselwörter immer wieder auftauchen. Es sind schon Wissenschaftler verhaftet worden, weil sie den Begriff „Gentrifizierung“ im Internet eingegeben haben.
Vor allem aber finde ich: Es kann nicht Aufgabe des Bürgers sein, sich hinter Firewalls und ähnlichem zu verbarrikadieren, um den Staat aus seinen Angelegenheiten rauszuhalten. Ich muss auch unverschlüsselt surfen, telefonieren und mailen können und dabei sicher sein, dass die Polizei nicht mithört oder mitliest. Leider entfernen wir uns von diesem Zustand immer weiter.

Ist unsere elektronische Kommunikation wirklich Privatsache und kann für Mails sinnvollerweise das Briefgeheimnis gelten? Es ist doch bekannt, dass unverschlüsselter Datenverkehr im Prinzip von jedermann eingesehen werden kann und eine E-Mail-Korrespondenz damit viel mehr eine Art laute Unterhaltung auf dem Marktplatz ist.

IT:
Es war und ist auch jedem Nachbarn möglich, in den Briefkasten zu greifen und zumindest alle ankommenden Postkarten zu lesen. eine zivilisierte Gesellschaft geht davon aus, dass man seine Nase nicht in die intimen Angelegenheiten seiner Mitmenschen steckt. selbst auf dem Marktplatz würde ich mich nicht so nahe an eine Gruppe Menschen heranschleichen, dass ich ihre Unterhaltung verstehen kann. ein Email ist doch kein megafon-verstärkter Schrei.

JZ:
Und auch hier will ich noch einmal betonen: Wenn Privatleute sich gegenseitig bespitzeln, ist das unhöflich, unverschämt und schlechter Stil. Wenn der Staat seine Bürger bespitzelt, ist das ein Problem für die Demokratie.

Die Entstehung der Piratenpartei, die Online-Petition gegen Netzsperren, die „Freiheit statt Angst“-Demo, das sind alles sichtbare Zeichen der Ablehnung autoritärer Sicherheitspolitik. Kommt das Thema in der Mitte der Gesellschaft an?

IT:
Hoffentlich – es gibt Anzeichen, dass die Menschen allmählich aufwachen und die Gefahr erkennen. aber es ist noch ein längerer Weg.

Glauben Sie, weitere staatliche Überwachungsmaßnahmen und der Abbau von Bürgerrechten werden in der kommenden Legislaturperiode schwieriger durchzusetzen zu sein, weil hier durch den öffentlichen Druck ein Umdenken stattfinden wird?

IT:
Der öffentliche Druck müsste noch mehr zunehmen, denn unsere Politikelite hört nur auf das Volk, wenn es sich sehr laut bemerkbar macht.

Wie sich die große Koalition in Sachen Bürgerrechte und Datenschutz verhält, konnten wir nun eine Legislaturperiode lang beobachten. Was glauben Sie, wird unter einem schwarz-gelben Bündnis anders? Was können wir in diesen Punkten von einer rot-rot-grünen Mehrheit in diesen Punkten Ihrer Meinung nach erwarten?

JZ:
Die CDU kündigt schon jetzt an, dass sie die Bürgerrechte immer weiter einschränken will, wenn sie in der nächsten Legislaturperiode die Möglichkeit dazu erhält. Die FDP versucht zwar, sich als bürgerlich-liberale Partei zu verkaufen, aber es ist absehbar, dass sie sich in diesen Fragen nicht gegenüber der CDU durchsetzen würde. Die SPD hat ausführlich bewiesen, dass ihr Bewusstsein für Bürgerrechte und Datenschutz völlig unterentwickelt ist. Bei den Grünen und der Linken beginnt dieses Bewusstsein langsam zu keimen. Meine Befürchtung ist: Es wird so oder so im Großen und Ganzen weitergehen, wie wir es aus den vergangenen Jahren kennen. Wenn die Bürger nicht massiv zu protestieren beginnen, werden angesichts der „Terrorbedrohung“ alle Parteien einknicken und weiter an der Etablierung von staatlicher Überwachung arbeiten. Man darf auch nicht vergessen, dass viele der einschlägigen Gesetze inzwischen von der EU gemacht werden. Unsere Politiker zucken dann die Achseln und schieben die Verantwortung nach Brüssel ab.

Die neue Folge von iseevoices lässt Dani Levy zum Thema „Ausdauer“ … radeln. Video nach dem Klick.

Mehr Themen und Menschen bei Iseevoices.

Max Dalton

Die Illustrationen von Max Dalton wirken, als hätte ein Cartoonist aus den 50er oder 60er Jahren einen Unfall mit einer Zeitmaschine erlebt. Look & Feel sind definitv retro, inhaltlich beschäftigt sich Dalton jedoch mit allerlei Themen der Moderne, die teils liebevoll kommentiert, teils spitzzüngig karikiert werden.

The Past

Diskursdisko: Hi Max. To start things off, what’s your background? When did you start 
painting?

Max Dalton: I started painting at the age of two or three. I guess every kid does the same in a natural way, only that for social, educational or some other reasons I don’t know, most of them quit doing it. The rest are called artists when they grow up.
When you’re a child and like being lonely most of the time and while other kids go around playing football on the street you choose to stay home and draw, you can tell that something peculiar is going on. Then everybody around you notices how much you like to draw and paint and begin to encourage you, and the more you do it, the better you get. And that’s it, one day you find yourself surrounded by paint and pencils and say “Hey, I may be an artist”.
In terms of education, I’m mostly self-taught, learned a lot from books and from watching master pieces at the museums.

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method 
that you adhere to?

Max Dalton: I’ve tried many things along my illustrator career. The hardest part of all the process is to come up with a good idea. These last years I’ve noticed that if I sit down on a chair and focus, I can obtain some nice ideas (a very good one once in a while). Sometimes it can be challenging, if I don’t find a decent one I get frustrated, go into a bad mood, disturb my cats and mostly drive my wife crazy, but sooner or later something comes up from some hidden, forgotten part of my brain. I guess I can call that my method, to sit on a chair and brainstorm until smoke comes out from my ears. The rest is mostly technical and automatic, and I can relax, hear good music and think on other things while I paint.

Diskursdisko: What inspires you?

Max Dalton: If the chair method doesn’t work I read the paper or sit on a café just next to the window. The absurd scenario I often get is enough motivation to go back to my studio and start drawing.

Diskursdisko: Much of your artwork is in a humourous retro style, reminiscent of 
the 50s or 60s- how did you develop this style?

Max Dalton: I like humor a lot and I cannot conceive a life without it. That would be the best way I know to express things. I draw my first comic strip at the age of ten, but I remember me writing comedy theatre plays for school before that.
The retro style I have is probably a product of the influences I’ve received and still love. I had (and until today I conserve) a lot of mid century children books and watched a ton of old school cartoons. The Pink Panther and The Inspector are still my favorites. In general I love the imagery, design and music of the 50s, 60s or even 70s.

Diskursdisko: When working for clients like magazines or creating animation for 
tv, how do you keep up the balance between clients’ wishes and 
concepts and your own need to produce art? Do you feel there actually 
is any difference between „commercial“ artwork and other art?

Max Dalton: I guess the difference between them is that when you do something commercial, or, better said, work for someone else, you have to think what other people will think as they see your work. “I this too dark?” “Is it too sarcastic?” “Will anybody get offended if I do this or that?” Those are questions that when you work for your own, you just don’t care. And it also depends on what the project is about. Doing a book for children, for example, is much different from doing a job in advertising. On the first one you are able to let your mind go free, develop some funny ideas and mostly you feel that you’re happy doing what you want and need to do. It’s easy to find your balance working that way, because you don’t have the feeling that what you’re doing is far from art or far from a work for yourself. In that way I had nothing but a joyful experience.

Advertising is quite different. It often has many levels and many people working on a same project and your work has to be accepted by an art director, by a creative team and by a client, and they are all, of course, focused on the same idea of selling a product. So, at the end, your work has gone through so many filters and changed so many times, that it has nothing to do with your original idea, and you don’t feel it like yours anymore. But you always try to do your best and fight to stay being yourself and keep your own style. And the pay is great!

Max Dalton

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at maximdalton.com, any other 
presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

Max Dalton: Well, I have a blog at maximdalton.blogspot.com where I often post some news or stupid things that come to my mind, but not much more. I still didn’t feel the need to subscribe to a social network site. But I have a mailbox and I answer every email I receive!

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other 
websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you 
new ways of creating art?

Max Dalton: There are a lot of sites that I often visit. Some I remember now are Grain Edit that shows a lot of mid century imagery, or the Ward Jenkin’s Retro kid that has many pictures of old children books. But I also must recommend some other that make a sort of compilation of some great illustrator’s work, like M. Sasek or Jim Flora.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on 
your website, can you name a couple that you have a special love for 
or connection to?

Max Dalton: Like a mother to her children, I must say that I love them all. But today, I may give extra dessert to the illustrations I did for “The lonely phone booth”, a picture book that will be published next year by David R. Godine. It was written by Peter Ackerman, a very talented man with whom we had one of those wonderful connections that don’t happen very often. The fact that we easily agree on many things and maybe that we use the same kind of glasses and the same kind of hat, plus the freedom to create and support that the publishers gave us, all that allowed us to generate a very comfortable environment to work. And comfortable always means good results.

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your 
artwork?

Max Dalton: There’s this wonderful book I just told you about coming up, and there are some others on my to do list. I’m planning to release some posters and shirts that many people asked me for. And if I find the best way to do it, I’ll release a couple of action figures of some characters I have in mind, I always wanted to do that.

Diskursdisko: Max, many thanks for the interview — is there anything you’d like to add?

Max Dalton: I’m surprised how much I’ve learned about me with this interview. If I was me, I’d hire myself! Thanks very much.

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

David Lanham

David Lanham zählt schon seit langem zu meinen absoluten Lieblingsillustratoren, daher freue ich mich natürlich ganz besonders, heute ein Interview mit ihm zu präsentieren. Wer einen Mac sein Eigen nennt und hin und wieder Icons von The Iconfactory herunterlädt, hat mit ziemlicher Sicherheit schon mal die verspielten, aber gleichzeitig sehr klaren und wiedererkennbaren Arbeiten Lanhams gesehen. Kleiner Tip: die meisten Illustration können auf seiner Website als hochauflösende Desktop-Wallpaper heruntergeladen werden…

The Past

Diskursdisko: Hi David. To start things off, what’s your background? When did you start doing illustrations?

David Lanham: I’ve been doodling and drawing since I could hold a pencil and it’s just slowly evolved as I’ve learned how to do things better, refined techniques and taken drawing classes in college. My digital illustration began right before I entered college and started to experiment with Illustrator and Photoshop

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method that you adhere to?

David Lanham: I just focus on what I find to be fun, I always like to try out new approaches. In the last few years I’ve definitely been heavy on final drawings being in vectors or other digital formats, but I’ve been moving back towards physical media since the end product is so much more satisfying when you can hold it in your hands. But whether the end is digital or not, I nearly always start out with pen and paper to sketch ideas.

Diskursdisko: What inspires you?

David Lanham: I’ve had inspiration come from just about anything. Music or other creative works are always a big source, but subtle things like seeing something out of the corner of my eye walking down the street or how light hits an object just right are great sources too.

Diskursdisko: Your artwork is often based around monsters, ghosts and strange creatures – where do you get these ideas?

David Lanham: Mostly from doodling circles and shapes in my sketchbook and I use my imagination to see things in the lines. Watching clouds or patterns in ceiling textures produces endless imagery as well. But mostly I just focus on what I think would be fun to draw and make creatures to entertain myself.

Diskursdisko: You also do icon design for the Iconfactory – how did you get into designing icons? Can you tell us a bit about the work process: How do you focus on what the essential parts of an image are, so that they fit to icon size without losing effect?

David Lanham: Designing icons was just a side hobby until I entered the Pixelpalooza contest held by the Iconfactory. They were very interested in my work and one day asked me up for an interview. Icons aren’t too different from other illustration, you have the same sketching, concept and planning stages like anything else. The end product is just optimized for screen resolutions which can mean it needs to be rendered in various sizes instead of just a single final piece of art. The main challenge is to communicate as much as you can in as simple a form as possible so that the icon retains clarity even at very tiny sizes.

Diskursdisko: When working for clients like magazines or companies, how do you keep up the balance between clients’ wishes and concepts and your own need to produce art? Do you feel there actually is any difference between „commercial“ artwork and other art?

David Lanham: If the client comes to you because they like your approach or style then you have some leverage with presenting your own ideas into the work. So you just have to keep a balance there so both you and the client are satisfied with the end product. Commercial artwork is definitely different though, maybe not in the appearance of the end result, but how the artist approaches it. You only have to satisfy yourself with personal work, and client work always needs to satisfy someone else’s needs. There are definitely grey areas and not all of client work is 100% for them (otherwise they wouldn’t ask you to retain your personal style or feelings) but there is still a percentage that you have to make for someone else.

David Lanham

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at dlanham.com , any other presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

David Lanham: I’m on twitter as well as flickr.

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

David Lanham: I always get some great insights and inspiration from sites like Art Renewal Center and Drawn!

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

David Lanham: My favorite drawing is still Tea for Three, I’m not exactly sure why, but it’s always just made me smile to look at. There’s nearly always something miniscule about each drawing that I fall in love with, usually it’s the parts I haven’t planned and just happen on accident.

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

David Lanham: I just go where the drawings take me, lately it’s been more towards working with physical media such as gouache or colored pencil or even brush pens. I just experiment and have fun with it though and see what happens.

Diskursdisko: David, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

David Lanham: Just a big thanks to you too! It was fun and very engaging questions. I definitely appreciate the interest in my artworks!

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

Bill Carman

Die Illustrationen von Bill Carman pendeln wunderbar zwischen den beiden Polen niedlich und verstörend. Von süssen, Anzug- und Huttragenden Tieren ebenso bevölkert wie von merkwürdigen Tentakelwesen und finsteren Gestalten, gestatten sie uns einen Blick in eine ausserordentliche Welt, die in ihren düsteren, viktorianisch anmutenden Details immer wieder an Tim Burton erinnert.

The Past

Diskursdisko: Hi Bill. To start things off, what’s your background? When did you start doing illustrations?

Bill Carman: I was born in Korea and grew up in Northern California. I was influenced early by album covers and comics. I remember the first thoughts I had about actually doing art for a living was when I saw the cover and inside illustrations for the Allman Brothers, Eat a Peach album. Someone had to do that artwork and maybe they got paid. Then I got started on a twisted path when I saw work by Ian Miller, Roger Dean, and Patrick Woodruff. The movie Wizards blew me away and I had to find out more about Ian Miller. YES album covers steered me toward Roger Dean. I did comics and pics in school for friends and for school publications but I pretty much sucked. After a couple of years in community college I went to BYU and met my longtime mentor and friend James Christensen. I did a visual communications/illustration BFA, went out and worked for a few years as a designer, art director, illustrator then got an MFA in painting. Now I teach and do cool weird work. What could be better?

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method that you adhere to?

Bill Carman: I do so many different things that it’s hard to nail down. I seem to work most often in acrylics. Sometimes on panel, sometimes on paper, now and then on metal or wood. I do an ongoing series on Mint Tins. Sometimes I finish off a piece in photoshop. I like the computer for certain kinds of things. I guess I choose how to work depending on project and surface. I am a surface fanatic and feel that different surfaces speak in different ways to me.

Diskursdisko: What inspires you?

Bill Carman: Surfaces. A shorter list might be what doesn’t inspire me. But I particularly like books (pretty much a book whore). That’s why I believe print will never die. There are too many people like me who love the touch, sight, and smell of a book. My surroundings always inspire me no matter where I am. Family, dogs, etc. I love to get motivated by looking at good work.

Diskursdisko: Much of your artwork is set in what seems to be a sureeal victorian age, with big-headed characters in top hats and waistcoats – how did you develop this style?

Bill Carman: I guess as with any real „style“ it kinda found me. Maybe something I’ve seen. Certainly Edward Gorey had something to do with it. Maybe it’s the fact that I look horrible in hats and am trying to compensate. Probably that notion that people are always looking somewhere else or to some other time for something better.

Diskursdisko: When working for clients, doing book covers or posters, how do you keep up the balance between clients’ wishes and concepts and your own need to produce art? Do you feel there actually is any difference between „commercial“ artwork and other art?

Bill Carman: Well I’m not real fond of the term commercial art. Everything with money involved is commercial. Most of the gallery things I have seen are more commercial than the good illustration I am drawn to. I do believe there is a difference between illustration and that other art. The problem is I can’t really define that other art. „Art“ as a word has lost its power. Here I am a professor and I can’t define art. But the real difference between any visual undertakings is the intent. I really don’t understand the chasm anymore between „fine art“ and illustration. Illustration is what it is and has every bit as much, if not more, power. It doesn’t need to aspire to fine art. To answer the question more specifically, I try to accept commissions which give me more freedom. People seem to come to me for what I do. But there is also fun in solving problems which are outside my comfort zone. I tend to push ideas as far as I can before the client breaks. And if the client breaks I’ll help put her back together and take another step back.

Bill Carman

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at billcarman.blogspot.com , any other presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

Bill Carman: I have a website but never update it. A blog is just too easy. I also have a Facebook thing but don’t know how to use it.

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

Bill Carman: I don’t think there are any sites which have really influenced me in new directions for my work. Maybe some animation things I have seen have shown me possibilities I’ve never thought of. But the internet has really opened my eyes to exposure and community. There are certain places i go regularly like The Art Department (an art director for Tor books), Drawn showcases a lot of great stuff, Cgunit, Lost at E Minor, and ConceptArt.org (even though I’m not a concept artist it is a helpful community of artists), are some among a lot that I visit. And of course there are hundreds of artists sites and blogs I have bookmarked. This internet thing really helps guys like me, who spend way too much time locked up in a studio, to connect with a larger community.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

Bill Carman: The piece on the header of my blog has gotten me a lot of recognition. I like it too. Kind of a little jewel. I really like some of the recent comic stuff I have been doing and hope to do more.

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

Bill Carman: More books. I would really like to get back into the book thing. Do some stories and such. But I have a couple of shows coming up and a line of projects. There is always time in between though, right?

Diskursdisko: Bill, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

Bill Carman: Your site has made another fan. I have already bookmarked you.

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

Amy Casey

Amy Casey beschäftigt sich in ihrer künstlerischen Arbeit mit den sekundenschnell ins Leben brechenden Katastrophen, die uns umgeben und betreffen können, indem sie dem allgegenwärtigen Chaos eine Welt der scheinbaren Sicherheit entgegensetzt.

In ihren Gemälden sind Gebäude fest miteinander vertaut, den Gefahren der Normalität enthoben, und dadurch eigenen Regeln unterworfen. Gleichzeitig schleicht sich allerdings beim Betrachter das Gefühl ein, daß im Mikrokosmos der verschnürrten oder auf Stelzen wankenden Häuser ein eigenes, ganz neues Chaos entsteht, als warteten sie nur darauf, von einem Wirbelwind gepackt zu werden. Buckle your seatbelt, Dorothy, because Kansas is going bye-bye.

The Past

Diskursdisko: Hi Amy. To start things off, what’s your background? When did you start painting?

Amy Casey: My mum recently showed me an essay I wrote when I was seven in which I declared my intention to be an artist, so I guess I had ideas going back quite awhile. I ended up in an arts program in high school with a teacher who focused me and set me up with a good studio work ethic and a love of painting. I ended up studying painting at the Cleveland Institute of Art in Cleveland, Ohio, and also went to the Yale summer School of Art and Music.

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method that you adhere to?

Amy Casey: I don’t know that I have a system, but I have habits. I generally start pieces by lightly sketching in the composition, getting the basic elements, the movement and the story. When that feels right, I start to block in the forms with a light wash. As I work, I start using bits of paper to help finish composing. With white backgrounds, there’s not much forgiveness if something is badly placed. So I try to plot things out before I really commit. Once that is accomplished, I start rendering things and that can take days or months, depending on what else I am working on..I usually work on a few things at once to satisfy my short attention span. Some people ask if I use a computer at any point in the process, and no I don’t. I think with my meager computer skills, it would probably just slow me down! I do use photos I take (mostly here in Cleveland) as reference, and I draw freehand. The whole thing is kind of a slow, nitpicky process.

Diskursdisko: What inspires you?

Amy Casey: I am inspired by my day to day, observing the place I live and reading the news.

Diskursdisko: Much of your recent artwork is based around images of houses clustered, moving about, connected by electric wires and cables. – how did you develop this style?

Amy Casey: I was painting little sort of narratives with animals characters. As I started moving them into more urban settings, the creatures were getting more and more mutated. Around this time, I was experiencing some personal disasters and simultaneously being aware and concerned distantly about larger and more spectacular disasters such as the Indian Ocean tsunami. It wasn’t a conscious move, but I think I was dealing with wrapping my mind around these ideas of sudden change or being overwhelmed by your surroundings by going to my work and shaking up the world for my little creatures. I also started an interest in gardening at this time which I think is evidenced in the strange alien plantlike forms and tendrils which invaded the paintings.

Feeling a profound lack of capability in the real world — for instance the helplessness so many people in the US felt watching hurricane Katrina in the news, (note: although I do reference specific disasters in citing influences of how I came to make the work I make, my paintings aren’t meant to reference any of these specific events) I thought at least I could help my own little made up world, so I gave them lifejackets, little moments of hope, and homes raised up from the turmoil below. I am interested in the resilience of life, and how we refigure and rebuild life, learning as we go along. As I painted, I came to think about decisions made in vulnerable moments and their results- for instance the stilts holding my houses up were, however well intentioned, probably eventually going to start to break down and leave the creatures in my world more vulnerable than ever. So I started tying the houses into poles and eventually each other. And now they are dealing with the joys and problems that being tied into the air and each other might entail. One thing leads to another, in life and in my work.

Amy Casey

Diskursdisko: Generally, even in the older pieces, your artwork seems to be mainly about urban structures, with a notable lack of living beings or other objects – where does the love for cityscapes come from?

Amy Casey: I actually do imagine there are living beings inside the houses or that the houses themselves are a kind of living being, otherwise I’m not sure what the stakes in keeping them up would be. Without some kind of organized mind, cities would pretty much fold in on themselves, so I’ve always felt that living beings were implied. The more buildings in jeopardy that I painted, the more they started to anthropomorphize to me, and they became to me the little creature in trouble, so I felt the earlier creatures I was using seemed a little redundant. But I can see why people say there are no living beings.

I think city planning says a lot about the people who live there. You can see their worries and their aspirations and the places they are lacking foresight. I am pretty worried about the world and wish we could all work together to figure problems out. If I particularly love cityscapes, its because that is where I live, that is my experience of the world. I did notice that my paintings took on more urban flavor as I moved in closer to a part of Cleveland that very much reflects its industrial roots. Cleveland is a big inspiration to me as it has lost so much of its former identity and is left to rebuild a new life force now that much of the industry that created it has left. I love it here, it’s an underdog sort of city, and so all of our triumphs are very hard won, and we appreciate them that much more for it, I think. It’s a little depressing sometimes, but it’s also like a big open sore of raw potential.

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at amycaseypainting.com, any other presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

Amy Casey: The gallery I’ve been working with for a couple years now: Zg Gallery, and the gallery I have begun to also work with recently: Michael Rosenthal Gallery.

I’m also on Facebook, although I only tend to add people when they send me a message telling me who they are. I am more interested in a little conversation than a big number of faces!

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

Amy Casey: Unfortunately between studio time and a developing computer related wrist pain, I try not to be on the computer too much. So I am not caught up on cool sites as I probably should be.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

Amy Casey: I am usually most connected to the last one I did! Or the next one on my mind! Of course sometimes you do feel specially for some pieces and there’s not really a rhyme or reason to it — I don’t necessarily think they are my best pieces. But I will say that I feel especially fond of City Calm Down (2007), Waiting for the bus, (2008) and Waiting place (2009).

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

Amy Casey: No, I do have ideas that I mull over, trying to get a grip on how I want to represent them.. but a lot of my work grows out of past work, pretty organically as my ideas develop. often one painting leads to another, so my plan is to keep working.

Diskursdisko: Amy, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

Amy Casey: Thanks for asking me!

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

Mike Rivamonte

Roboter gehören, seit es soetwas wie Nerds gibt, zu den Lieblingsfetischen zumindest der Jungs. In der wirklichen Welt derzeit noch eher banale, abstrakte Arbeitsmaschinen, haben sie popkulturell quasimenschliche Form angenommen und beflügeln die Fantasie, vom Golem von Prag hin zu C-3PO, R2D2 und Bender aus Futurama.

Kein Wunder also, daß die Roboter auch in der modernen Kunst Einzug halten — bieten sie sich doch vorzüglich als Vorlagen für Skulpturen an.

Mike Rivamonte, der direkt neben dem U.S. Space & Rocket Center aufwuchs und damit wohl gar keine andere Chance hatte, als sich für Technik und Raumfahrt zu begeistern, baut Roboter aus Technomüll und Fundstücken. Wunderbar homogen, wirken seine Skulpturen wie Charaktere aus klassischen SciFi-Filmen des frühen zwanzigsten Jahrhunderts.

Im Interview erzählt er von seiner Arbeitsweise, den Hintergrundgeschichten zu den Robotern und den Illustrationen, die demnächst auf seiner Website zu sehen sein werden.

The Past

Diskursdisko: Hi Mike. To start things off, what’s your background? When did you start making sculptures?

Mike Rivamonte: I guess I began making sculptures in college. I was under the impression that the professors only gave out so many A’s and I wanted to be among the few who got one. I enrolled in a figure model class where the final project was a 1/4 size or a life size model. I decided to go the extra mile so I sculpted life size… a naked man.

We each also had to make a mold of our sculpture and then cast it. I cast mine out of some type of outdoor concrete. It weighed 275 lbs. At the end of the class I carted it to my parents house. They were the unfortunate curators of my college art collection. At first it was “dressed” appropriately for family gatherings. Years later my dad and I moved it so that it faced the neighbor’s compost. I received an “A” and learned about the durability of concrete.

I’ve been making robot sculpture for three years. My dad and I made a gentleman’s wager on who could complete a sculpture first. He made his in 1 month and mine took almost a year. The more I looked at other sculptors and their work the more I saw something missing. You see I also have a passion for illustrating. I spend hours studying the work of famous illustrators and animators. I am always looking for articles they have written explaining their processes and insights. An illustration is a moment, like a photo, telling a story or expressing or invoking an emotion. I think sculpture works the same way.

You are sculpting a moment that tells a story and expressing the personality of the character. When a sculptor does it well you immediately recognize it.
By the way … my dad won our bet.

Diskursdisko: Can you tell us a bit about growing up next door to the U.S. Space & Rocket Center? It sounds like a fascinating place to live…

Mike Rivamonte: It is a wonderful place. The center is surrounded by several retired rockets. You really need to stand next to one of these to appreciate the size. The center also had many types of exhibits, models and dioramas. I think my favorite part as a kid was that in the entrance of the center was a glass case. Inside the case was a huge moon rock. I always marveled at how we got that rock back to earth. It seemed like every year in school we made at least one field trip to the rocket center. I believe it inspired us kids to build and launch our own model rockets. Of course many of our rockets met the fate of landing in trees or powerlines.

The Art

Diskursdisko: What inspires you?

Mike Rivamonte: Definitely the reaction that people have to my work inspires me. I enjoy seeing the smiles on their faces and answering their questions. I’m inspired to make more and to continue to challenge myself. Also a great find inspires me. Once it is in your hands and you can look at it from many views you start to see possibilites.

Diskursdisko: Do you feel you have a special connection to robots?

Mike Rivamonte: I think that they are an opportunity for me to express my creativity and from there continue to explore this and related mediums. I like creating the character. It seems natural for them to have a robotic qualities.

Diskursdisko: You’ve got a section on your web site labeled Sketches, which is still under construction at the moment. Obviously, I find this quite tantalizing… what will you be showcasing?

Mike Rivamonte: Very soon.

Early in the development of these sculptures I make notes on their personalities. I write a paragraph or two about who they are so I can better understand and best express them to the viewer. Many of the objects I use are too expensive to repair or replace. I’ll make several drawings and doodles which become the springboard for other ideas and situations for these characters. Take for example Walt, his feet are staplers and I am illustrating him reacting to getting a sheet of paper stapled to his foot. Illustrating sometimes is more feasible than the physical construction.

I am completing several robots for a show in mid-March. Then I plan to really focus on the “sketches section”, painting and a couple of tutorials that I am producing.

Mike Rivamonte

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at mrivamonte.com, any other presences on the web you’d like to publicize? social networking?

Mike Rivamonte: I am working on a blog that I plan to focus specifically on character design and illustration. Right now that is not possible as the sculpture side is just too demanding of my time. I launched a site about nine years ago, guitar-bones.com, that makes custom dice control knobs for guitars. I enjoy the fact that it is still around and that I have met many guitarists and enthusiasts around the world. My father took it over when I moved to New York for a couple of years and he still fulfills dice orders from Great Britain to New Zealand.

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

Mike Rivamonte: Each piece demands new techniques and skills. That said I am always all over the internet reading and taking notes. At the moment I am studying Tig and Mig welding. Last month it was woodworking and how to make a camera iris. Over the summer using milling machines and machinist tools. I am always keeping up on photography and sculpting techniques in clay. Conceptart.org is a great gathering of talent to study illustration and sculpture which I frequent.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

Mike Rivamonte: Old Blue and Walt. Walt is an incarnation of Eureka, my first piece. Both of these robots have inspired many new sculpts for me. I hope to show them off very soon.

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

Mike Rivamonte: Yes. Illustrations and perhaps a fun book or two giving them an adventure. I have several directions I want to go into with my robots and other future creations!

Diskursdisko: Mike, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

Mike Rivamonte: Thank you!

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

Robert Mars

Die Arbeiten von Robert Mars, Hybride zwischen Collage und Gemälde, entführen in eine längst vergangene Zeit, die so eigentlich nie wirklich existierte.

Im kollektiven Bewusstsein der popkulturgeprägten Generationen ist die Mitte des Zwanzigsten Jahrhunderts zur Epoche der Hipster und Beatpoeten, des Cool Jazz und Rock’n'Roll, der grossen amerikanischen Nacht und der Route 66 verklärt worden — den Archetypen, aus denen Mars seine Inspiration bezieht, die seinen Werken einen sofortigen Wiedererkennungswert verleihen, auch wenn man sie zum ersten Mal betrachtet.

Im Interview erzählt er von seinem Werdegang, dem Einfluss des Skateboardens auf sein Leben und seine Kunst sowie von seinen Plänen für die Zukunft.

The Past

Diskursdisko: Hi Robert. To start things off, what’s your background? When did you start painting?

Robert Mars: For as  long as I can remember I have always been creative. After high school I attended Parsons School of Design in New York City. I studied graphic design and illustration but I always had a greater passion for painting. While working in the skateboarding industry in 1996-2001 I was working on a body of paintings with no set style. In 2001 I put skateboarding to the side for 2 years to focus on art and define my style. I started showing that body of work in 2002 and have been exploring it since then.

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method that you adhere to?

Robert Mars: Over the years I have developed a method of making art. It is a combination of brown paper bags, gel medium, vintage ephemera such as Life magazines, newspapers, Playboy magazines, road maps, and anything relevant to that era. I have a wall that I collage images for use in my work so as I paint I have them in front of me to work with. I choose color and final image before I start a piece but let it flow and change as I build layers of paint and collage. My style is set and now it plays off of  the nuances of detail.

Diskursdisko: What inspires you?

Robert Mars: The world around me is inspiring. Living in New York I find accidental art in subway ads that have been removed and you can see the layering and history of what was there prior. Over time this creates nice textures and random pattern. Road trips inspire me. Small desert towns with that Route 66 feel inspires me. Great art inspires me. My wife inspires me.

Diskursdisko: Your artwork is all about mid-century Americana, using collaged images from the 50s and 60s, while still feeling modern – how did you  develop this style?

Robert Mars: I developed this style over many years. I come from a graphic design and illustration background so I feel that keeps my work looking contemporary. I started my interest in the 70’s. This era was important for myself as it holds great memories of my childhood. As I started to really investigate my interest in these years I grew a curiosity for the time before I was alive, particularly the 60’s. I find the 60’s holds most of my interest with advertising, automobiles, architecture and the general look of America at that time. It was about doing a lot of research and digging deep into American history through books, internet and magazines.

Diskursdisko: You’ve also designed skateboards. Can you tell us a bit about the process of finding the right imagery to fit the limited space of a deck whilst still satisfying your own artistic vision?

Robert Mars: Skateboard design was something that I was always interested in. I picked up a skateboard in 1985 and at that time felt that it was a creative outlet both phsyically as well as creatively. It has had a huge impact on me as a person as well as an artist. After college I landed jobs in Los Angeles working for World Industries and Element Skateboards and got to see the ins and outs of the skateboard industry.
Designing skateboards is the same as any other creative process in that it is all about problem solving. When designing decks you get your brain into thinking about that limited space. When I design for companies I think of how to combine the companies style with my own personal style but in the end it is to satisfy the client.

Robert Mars

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at constructclothing.com, any other presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

Robert Mars: constructclothing.com is an older site that used to showcase my apparel line which I have since stopped in order to focus on my galleries. You can also see my work at robertmars.com, my
blog, myartspace.com and flickr; and at the gallery sites that represent me which are linked to at my main website.

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

Robert Mars: I use the internet to do research for my extensive roadtrips as well as read about history. I use flickr to find Americana icons, neon signs and interesting areas, then cross reference it with google maps and street view and construct comprehensive maps! I also spend time just keeping current on what shows are going on in other cities and keep up with other artists that I admire. I am influenced by artists like Jeff Schaller, Ellwood T Risk, Peter Mars (No relation), Melody Postma, Ted Larsen, Randall Reid, Adam Haynes, Kareem Rizk and Brandon McLean all for different reasons but they all have a unique perspective of the world.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

Robert Mars: I connect with all of my pieces, but my all time favorite piece is “Palms Motel” which was the anchor piece for a show I had at Kidder Smith Gallery in 2007. It was the first piece that I completed for the show and I respond to it compositionally, as well as the colors and image. I also love working on commissions with people so that it has a special meaning for them as well!

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

Robert Mars: I have been slowly working on a body of work based on matchbook artwork from the 1950s – 1970s. (Sweet, Smooth, Sassy, Sturdi-Bilt and Strictly For Men are from this series) I will step away from the photograph transfers and paint the imagery. It has been an exciting (but slow) process as I have all of my galleries to keep stocked with art. Look for a full show sometime in 2010.

Diskursdisko: Robert, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

Robert Mars: Thank you for your interest in my artwork and for the interview. I update my blog at least a few times a week, so you can always keep up with my shows as well as new artists that I am looking at.

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.

Kevin Dart

Die Retro-Illustrationen von Kevin Dart greifen das Feeling klassischer Filmplakate der 60er Jahre auf, um deren Stil und Look in die Moderne zu übertragen. In letzter Zeit ganz zentriert auf seine Actionheldin Yuki 7, schafft Dart eine wunderbar vollständig imaginierte Welt — bunt, sexy und cool, wie wir uns die Sixties eben vorstellen.

Hier als Einstand zur neuen Diskursdisko- /Spreeblick-Crossposting-Serie ein Interview mit Kevin Dart über seinen Werdegang, die Welt von Yuki 7 und seine Zukunftspläne.

The Past

Diskursdisko: Hi Kevin. To start things off, what’s your background? When did you start 
illustrating?

Kevin Dart: I’ve been drawing since I was very young, but didn’t start seriously illustrating until I found myself stuck in a computer programming major in college. It wasn’t the right place for me, and I decided to go back to something I had enjoyed my whole life. So I began drawing and experimenting with computer illustration in my spare time, and soon transferred to an art major.

The Art

Diskursdisko: How do you mainly produce your art? Do you have a system or method that you adhere to?

Kevin Dart: I like to let each new drawing happen in its own way. It keeps things more lively when you don’t do it the same way every time. But when I’m on a deadline and it’s tough to get the creative juices flowing, I have a few methods I can fall back on to get things done in a timely fashion. Usually the most important thing is to keep drawing. You don’t want to get stuck in a situation where you’re just staring at a blank screen or piece of paper. So long as you’re always moving forward, it’s hard to fail.

Diskursdisko: What inspires you?

Kevin Dart: I’m inspired by lots of mid-century illustration, design, and architecture, but also the people and things in my everyday life. I find myself observing light and shapes everywhere I go, and making mental notes of things to use in the future.

Diskursdisko: Your artwork is in a very colourful, retro pop-art style, reminiscent of film posters from the fifties and sixties – how did you develop this style?

Kevin Dart: One of the things I’ve always wanted to capture in my work is a grand scale and sense of adventure, and no one was better at capturing that than the poster artists of the 50s and 60s. I’ve spent a lot of time studying vintage posters and watching old movies to try and pinpoint what key elements create that exciting and adventurous feeling. Then I try to figure out how to transfer that feeling into a drawing.

Diskursdisko: Can you tell us a bit about your recurring character, Yuki 7, soon to be featured in the book „Seductive Espionage, the world of Yuki 7″ — what was the inspiration? Is there a grand back story?

Kevin Dart: Yuki 7 lives in a world that I’ve always wished I could live in. It’s filled with globe-trotting escapades, high fashion, mid-century architecture, and amazing gadgets. She’s a character that’s been running around in my imagination for many years, but didn’t metabolize until about a year ago.

Diskursdisko: When working for clients like Disney, Pixar or Cartoon Network, how do you keep up the balance between clients’ wishes and concepts and your own need to produce art? Do you feel there actually is any difference between „commercial“ artwork and other art?

Kevin Dart: Typically my professional work takes first priority over personal work, especially on tight deadlines. I hate being late. But there are times where I’ll be struck with an idea for a personal project I’m working on, and it consumes my brain so completely that I don’t have any choice but to draw it out before working on anything else. My personal work is completely driven by the passion for an idea, and that’s what allows me to make time for it.

Kevin Dart

The Web

Diskursdisko: You’ve obviously got the website at kevindart.com, any other presences on the web you’d like to publicize? Social networking?

Kevin Dart: You can follow me on Twitter, and you can also become a fan of Yuki 7 on Facebook.

Diskursdisko: As you use the internet to showcase your art, are there any other websites you feel have influenced you, opened your mind or shown you new ways of creating art?

Kevin Dart: The huge number of artist’s blogs out there have been a tremendous influence on me and probably everyone else working in the business today. It’s amazing how quickly you can see some of the world’s top illustrators’ most recent work, see what kinds of new techniques people are experimenting with, and find all of the latest and greatest projects being produced around the world. It’s really a fantastic time to be an illustrator because of the online community of artists sharing their work with each other.

Diskursdisko: Of all the work you’ve created, or at least the ones showcased on your website, can you name a couple that you have a special love for or connection to?

Kevin Dart: I definitely feel the most strongly connected to all of the Yuki 7 work I’ve done. I’ve put more of myself into that project than any single other thing I’ve ever worked on. As far as my older work, I still have a special connection to the “Bikini Girls of Shark Island” poster. I think that piece was a breakthrough for me at the time.

The Future

Diskursdisko: Do you have any specific plans for the future direction of your artwork?

Kevin Dart: It’s hard to plan out exactly where my artwork will go, since it’s influenced so heavily by the random things I encounter and projects that I work on. I’m always trying to improve myself, learn new techniques, and adapt new inspirations. Mainly I will keep developing stories and ideas, in particular Yuki 7. She will definitely be popping up again in the future.

Diskursdisko: Kevin, many thanks for the interview – is there anything you’d like to add?

Kevin Dart: Thanks for giving me the opportunity – it’s been a pleasure!

(„A Kiss From Tokyo“ Theatrical trailer)

Der Bildband Seductive Espionage, the world of Yuki 7 erscheint am 6.Juli, oben der Trailer dazu.

Weitere tolle Interviews mit Künstlern und Designern gibt es bei Diskursdisko.